钢琴这一乐器之王以其丰富的表现力奏出无数撼人心魄的旋律。钢琴弹奏是以演奏者为主体的。在演奏中，演奏者利用他们弹奏出的声音来表达自己的情感。而这种情感的表达是通过必要的技术手段和对音乐的理解这二者的完美结合来体现的。也只有通过这二者的完美结合才能更好地体现出钢琴歌唱的魅力。在钢琴的弹奏中，我们都在追求“如歌”的声音。正如伟大的钢琴家霍洛维茨所说的那样：“对我来说最重要的是能够持续美妙音色以及必须使钢琴成为能歌唱的乐器。”
　　
　　关于钢琴的发音
　　
　　弹奏出如歌的声音先要取决于钢琴的发音。发音是指如何发出更优美动听、更自然、更合乎科学原理的声音。在钢琴弹奏中声音的好与坏是由演奏者发音技巧的高低来决定的，所以发音的好坏直接导致演奏水平的差别。
　　钢琴的发音是由于琴槌敲击琴弦而发出的声音，就好像敲锣一样，当敲击锣面时瞬间发出音响，要想使声音延长则放开手；反之则用手一捂，声音立刻停止，而手的作用就像钢琴的制音器的作用一样。
　　钢琴的发音是不可以修改的。发出什么质地的音色完全取决于弹奏时的那一瞬间。在这一瞬间里，使用什么触键方法直接影响到钢琴的发音。
　　
　　关于触键
　　
　　自古以来，钢琴制造几经变化，从开始古钢琴的制造至今已历经了500多年的历史。这期间，不少演奏家、钢琴教师、学者都一直在探讨着触键的技法。到今天关于钢琴触键的科学论述已日臻完善。
　　钢琴的触键部位是手指。另外还牵连到掌、腕、肘、臂、肩、腰以及其他部分。先集中考虑手指，手指涉及到四个方面。它们分别是：手指的运动速度、手指距琴键的高度、手指触键时所负载的重量、手指的触键部位。
　　1.手指的运动速度有快有慢，手指运动速度快，也就是触键快，声音则洪亮，触键慢而轻声音则柔和。
　　2.手指距离琴键的高度，手指离琴键高，奏出的声音大，深而且明亮，反之声音则轻柔暗淡。
　　3.手指的触键所负载的重量有指、掌、腕、臂、肩和身体的重量，使用不同的重量奏出的声音也不同，一般来说手指负载重量较大（如用身体的力量）时，奏出的声音比较洪亮而深厚，反之奏出的声音则轻柔暗淡。
　　4.手指的触键部位分别有指尖和指垫，指尖触键面积小，指垫触键面积较大，如果用同样的重量弹奏，用指尖触键时弹奏出的音色较明亮清婉，颗粒感也较强，用手指垫触键奏出的声音则更柔美暗淡些。
　　由触键所产生的声音纵有千变万化，在弹奏中还是要注意每个音都应有“点”，钢琴的发音是“发音点”及其延长，不论这个“点”的声音是轻或响，每个音都要能传到远方。哪怕最轻的声音也要能够传到远处听众的耳朵里。要想每个音都有穿透力，指尖首先要敏锐，指尖的下键度越快，点越清楚。下键快，钢琴反作用力就大。这时，手指弹奏出声音之后要立刻放松，放松越快，声音发出的越充分。另外，手臂要积极而且放松自如。手臂好像完全和触键连为一体，手指像直接在琴弦上弹奏那样，正确的触键是集放松、重量、发音、协调于一体，只有这种声音才是精彩而扣人心弦的。
　　从巴洛克时期至今，触键的方法发生了变化，巴洛克时期的早期作品主要用指力来弹奏，很少运用重量弹奏。巴洛克以后的时期至今天，越来越多地运用重量弹奏，因此，采用什么形式的触键要根据不同时期、不同作曲家的不同风格而定。如弹奏巴赫的作品时强调声音透明、干净，要多用指力触键，指尖位置触键。在继承他的代表人德彪西的作品中则多采用指垫慢触键的“重量转移”的方法触键。
　　
　　关于触键所产生的不同音色
　　
　　音色的类别粗略地可以划分为明暗两种。不同时代的作品由于受乐曲风格、表现内容、审美情趣的限制，对声音色彩的要求也不同。因此，音色有多样性，这样由明暗色彩又派生出各种音色类别。如柔和的、纯净的、深沉的音色。而获取这些音色，需要依靠不同触键方法。下面将列出几种不同触键方法的例子。

　　
　　以上列举了几种不同音色的触键方法，从中可以看出，不同的触键可形成不同音色。区别很小的音色差异时更需要用心去细细体会，用心来带动手指弹奏。
　　
　　各时期代表作家声音要求
　　
　　音色是为风格服务的，诸如巴洛克时期音乐，维也纳古典音乐、浪漫主义音乐、印象主义音乐及现代主义音乐的风格都不尽相同。作曲家所表现的主要思想内容与艺术倾向也都不一样，因此我们要奏出的音色以及乐句、乐段的处理、演奏心态、表现等都应该有所区别。
　　法国著名钢琴家罗·卡萨迪苏指出，“弹巴赫时可更贴键一些，弹斯卡拉蒂时则要弹得更灵巧，像杂技那样。”
　　美国著名钢琴家、钢琴教育家克劳迪奥·阿劳认为，“在贝多芬的曲子中美丽的音色并不像在肖邦、莫扎特和德彪西那么重要。”正如他所说的那样，他常奏出一些听起来并不丰满，却是表达内容所必需的声音。鲁多尔夫·塞尔金曾说过：“演奏的曲子需要什么样的声音，我就用什么样子的声音去弹它。不应该用贝多芬弹奏莫扎特……我尽可能把我最柔和的声音拿出来。若是巴托克的曲子呢，在必要的时候，我将奏出尖锐的声音。有时难听的声音是一种表现手段。”
　　这三位钢琴家关于声音的论述非常独到，阐明了各作曲家之作品的基本声音要求，阐明了声音为内容服务的基本观点。从巴赫到巴托克之后，人们对钢琴音色的追求在不断地变化。由于科学技术发展的限制，一大批有名的早期作品的声响没有流传至今。在我们弹奏不同时期的作品时要按不同时期对声音的追求而弹奏。这些早期作品只能通过作家传记、音乐评论、数代师承关系等手段捕捉某时期作品对声音的追求。要想真正把握各时代、各民族不同作家的钢琴音色，演奏者要持之以恒，用心去体会和努力训练才可奏效，下面简要分析各时期代表作家作品风格和声音的特点：
　　1.斯卡拉蒂：作品古朴，声音清澈，明快单一，触键迅速，少用踏板。
　　2.巴赫：作品古朴高雅流畅而理性。结构严谨、平衡。音色精确，富于宗教色彩，音色层次多，声音透明、朴实，轻快而不失柔和。触键刚柔相济，注意每个音的质感和触感。触键较快，以获得典雅的声音效果。
　　3.莫扎特：乐曲典雅，旋律线条流畅，突出并且略带浪漫风格。声音要求清晰、活泼，音群连贯，多用指尖触键，手位较低。
　　4.贝多芬：乐曲集古典、浪漫、戏剧性为一体。声音具交响性，触键要干净利落。贝多芬时期作品由于作家更多运用古典技法，所以要少用踏板。
　　5.舒伯特：作品富于歌唱性，旋律真诚朴素而有诗意，有歌唱般的音色，曲调对比强烈，低音常具旋律性，速度中，乐句规范自然。
　　6.肖邦：乐曲有诗般的浪漫风格，充满幻想，时而辉煌灿烂，时而充满忧伤，声音优美、柔和华丽、连贯，低音不能太重，音色丰富多彩，在演奏中注意他的作品较温柔，伤感，但不能矫揉造作。
　　7.李斯特：乐曲交响诗般的气势，极富戏剧性，并萌发印象主义色调，音色变化无穷，声音华丽多彩，低音隆厚，音响宏大而不显粗糙，演奏手法夸张。
　　8.德彪西：作品充满东方神秘色彩，情感内在，富于诗意，声音清澈柔和，意境朦胧，具肖邦般的柔美，他的前期作品属于晚期浪漫派，中期作品为印象主义，后期作品有新古曲主义倾向。
　　安东·鲁宾斯坦认为钢琴不是“一件”乐器，而是“一百”件乐器。钢琴丰富多彩的声音变化及维度变化使其把原来看不见摸不着的音乐所表达的形象活生生地展现于世人面前。声音作为一种导体与情感因素，与乐曲内容相结合，在演奏者面前建筑一座桥梁，音乐不能都用一种音色来演奏，演奏中每个音是否为音乐表现所需要的最佳声音，这是我们必须思考的问题。
　　演奏者必须弄清演奏曲目的对象，而后根据作品表现要求进行宏观构思和具体设计。要根据作品的情感思想和风格来设计相应音色，使用不同触键方法，及踏板的使用方法；同时听觉也是非常重要的。演奏者要用耳朵来辨别自己的弹奏方法是否正确，并且还要用心去感受，用心去感觉作品的意境，用心去体会作品的情感，才能通过手指在钢琴上发出各种美妙的声音，这样的琴声才可能打动人，感染人，才具生命力，这才是我们每个演奏者应该追求的声音。