一首声乐作品,一般而言,主旋律在演唱者,这只是一个单线条;而丰富的和声、织体都在伴奏部分,它们帮助主旋律表现得更为丰满,也可以说是主旋律的依托。要想托得好,有两个问题需要注意:
    ①音量比例
    有的伴奏者在这个问题上存在一个误区,认为既然是伴奏就一定要弱,生怕压唱。这种不从整体出发,只是一味地弱,实际上容易造成声部的失衡。必须从音乐情绪的整体需要和整体音响的比例出发来确定你的音量,例如,当音乐情绪达到高潮,而演唱者停留在高音时,作为伴奏要把情绪推上去,这时要敢于强,气氛烘托得越好,就越能帮助演唱者调动热情,使高音展现得更有魅力。而当音乐很安静或正常进行时,音量要适当控制,使伴奏和主旋律在音量上和谐。从我的经验来看,只要你能清楚地听到演唱者的声音,就不会压唱。要学会运用你的听觉,找到合适的整体音响感觉。
    说到音量,我想提两个技术方面的问题。
    第一:强时千万不能砸。不少伴奏者虽然是钢琴专业,但却不注意方法:只要是强音,尤其是强的和弦,就往下砸,造成手臂紧张,不但自己会引起疲劳,发出的声音也不是钢琴的共振声,而是吵闹声。这种生硬的声音,对音乐起干扰作用,即使不是很强,都会造成压唱的效果。
    第二:弱时声音不能飘。当音乐要很安静的时候,必须控制音量。但有时候经常会觉得已经很轻了,为什么还是不够安静。我认为,问题不在音量而在音质上,越是弱,指尖越要集中,既要放松,又要会控制,使得音量虽弱。但非常清晰、集中。而有的人为了弱,力量不敢放下去,声音很飘,必然模糊一片。声部线条混浊,怎么可能营造安静的气氛呢?由此可见,触键的方法是至关重要的。
    ②心中始终要有主旋律线条
    一要“听”唱,二要在内心跟着唱,缺一不可。只有这样,才可能“托得住”、“跟得好”,才可能保持乐曲的整体感。如果说“音量”“声音”是“表”的话,内心的歌唱、对音乐的理解就是“里”,是表现的依据,是根本。否则,你的“声音”只是一个没有内容的空壳,这一点必须贯穿始终。
    当旋律在伴奏声部或者当伴奏的旋律和演唱的旋律一致时,必须仔细“听”,跟着“唱”,最重要的是音乐感觉必须一致,才可能整齐。这时你的演奏要有很强的歌唱性,心中的旋律要在手指间流出,因此在触键上要做到收放自如,保持旋律的连贯,才可能弹出如歌的线条。
    当伴奏的旋律和演唱的旋律交替进行时,也只有“听”和“唱”,才可使旋律在交替处,衔接得天衣无缝。
    在这儿我想特别提醒大家的是,当伴奏仅仅是织体时,更要在心中有主旋律,要注意听唱,使你手下的和声织体紧紧托着旋律走,伴奏和演唱表现的是同一种情绪,时而在极其安静的伴奏背景中衬托出演唱者优美的旋律,时而伴奏需要浑厚的音响、饱满的热情,烘托出演唱者的激情。这时你必须要有很强的整体感,从音乐的整体出发,弹出音乐情绪所需要的音色音量,使伴奏和演唱成为一体。
    而不少伴奏者忽略了织体、和声和主旋律在音乐表现中的关系,仅仅是把节奏弹出来,而失去了表现的内容。不跟着主题里的感觉走,这样必须使演奏变得死板、干巴巴地。而演唱者也似乎失去了依托,在自己干唱。有的人把这种合作形容成“两张皮”,互不关联。 

乐曲在正常的进行中,不同的演唱即使对同一首乐曲也会有不同的处理。只要合理,作为伴奏要理解演唱者的感觉。这样就会跟得自然、贴切,使演唱者唱起来也会很舒服。
    同样的节奏型,由于歌曲内容的不同,演奏的感觉就要完全不同。如《怀念战友》、《一杯美酒》。
    总而言之,我要再次强调,心中必须有旋律的歌唱感觉,才能使单一的伴奏音型活起来,在为演唱者伴奏的同时,似乎也在为自己内心的歌唱伴奏。共同的呼吸,对乐句共同的感觉,使伴奏部分和演唱部分成为一个艺术整体,使二者合作珠联璧合,天衣无缝,达到完美的境地。
    二、作为伴奏,接触的演员多、作品多,有时时间很紧,这就需要在实践中不断提高自已的能力。
    (一)首先一点就是要“快”
    1,视谱快
    视谱能力强,可以节约很多时间,不用细说,有一点经验提供大家参考。在时间紧,也就是立刻需要视弹出来的情况下,你要学会抓住骨干音和弦,尤其是右手,首先要跟上唱,不可能每个音都视清楚,初合一下找到感觉再细练。
    2,抓感觉快
    当拿到一首新作品,不仅很快把音视下来,并在同时抓住这首作品的感觉。这一点需要积累。一开始从视谱到完成这个过程会长一些,随着接触作品范围的扩大、增多,这个过程会缩短。最好是达到在视谱的同时,感觉也弹出来并基本准确,这样练习的时间会大大缩短,当然如果有一些重要的演出,尤其是一些比赛的场合,还是应该用些时间了解作曲家的时代及歌词内容,才可能在风格的掌握、音乐的表现上,更为细致、准确。

3,反应快
主要是对独唱者在音乐上的变化。感觉要很敏感,一方面要“听”,一方面要“看”。这儿的“看”,是指要会看三行谱。这样可加强整体感,不至于埋头苦弹,脱节了都不知道。特别是在舞台上,演员经常因为激动会有些即兴的临场发挥,你通过听可以从他的呼吸感觉到乐句的变化(如长音的拍子),有的演员也许对曲目不熟练,紧张而会出错。由于你看三行谱。就会及时发现并且及时跟上,尽量帮助演员弥补错误,保持乐曲的完整。当然一个水平高比较成熟的歌唱家,在准备好的情况下,是不应该发生意外的。在这儿主要是从伴奏的角度出发,应该要培养这方面的能力。

    (二)要具有分析作品和处理作品的能力
    当你拿到一首作品,除了要了解这首作品的风格、内容外,还要分析这首作品的结构。例如:分成几段,每一乐段要表现的情绪,它们之间如何衔接;在乐段中,乐句的线条、走向:当情绪达到高潮前。乐句的线条如何铺垫:还有和声色彩的变化、织体的变化与旋律的关系等等。这些问题,都要有自己的理解和处理,这样音乐才可能表现得更为细致,形象更为鲜明,音乐发展更有层次,作品才能更严谨、更完整。和文学作品一样,音乐也有很强的逻辑性。
如果你的合作者是一个成熟的歌唱家,你们可共同来分析作品,达成默契。而如果是一个年轻的学生,你可帮助他分析作品,提出你的处理意见,帮他理解音乐,使他在演唱时尽可能做到声情并茂。
    总之,作为钢琴伴奏者,必须不断丰富自己的音乐修养,提高自己全面的技术能力,特别是要掌握不同的触键方法,使你的音色根据歌曲内容的需要而变化,使表现更为丰富。对音乐理解得越准确,技术越娴熟,弹奏就会得心应手。而如果伴奏者没有充实的内心感觉,对音乐没有丰富的想象,技术再跟不上,势必将伴奏弹得索然无味,影响作品整体的表现力。
    钢琴伴奏应该是一个参与者,同样要用“心”去感受音乐,从头到尾要全神贯注,充满激情,让音乐从心里流出,该放的地方大胆放,该收的地方大胆收。要学会歌唱,只有这样才能赋予音乐作品生命力,增加作品的感染力,和演唱者共同塑造音乐形象,完成作品的再创作。
    以上讲的内容,一定会有疏漏和不准确之处。希望得到同行们的指正、并希望我们共同为提高我们国家整体的伴奏水平而努力。